Irréversible

Irréversible est un film de 2002, qui a fait beaucoup parler lors de sa sortie sur grands écrans. On a dit qu’il était LE film le plus violent de tous les temps.

Réalisé par Gaspar Noé, il a provoqué des malaises lors de sa projection à Cannes, en raison de scènes particulièrement insoutenables. Certains ont crié au génie, d’autres ont hurlé au film dégueulasse, à la perversité. Il fallait que je me fasse mon propre avis.

J’avais acheté le DVD d’Irréversible il y a des années, pour la présence de Monica Bellucci au casting, sans en savoir plus ce film qui a créé une énorme polémique lors de sa présentation à Cannes. Ce n’est qu’une fois le DVD chez moi que j’ai regardé un peu sur internet, ce à quoi je devais m’attendre, et que j’ai découvert qu’au moment de sa projection, des spectateurs avaient été pris de malaises. Je me suis dit que cela devait vraiment être puissant…

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Irréversible a la particularité de voir ses scènes montées dans l’ordre inverse de la chronologie. C’est à dire que l’on commence par la fin, pour remonter le fil de l’histoire. Il est composé de treize séquences, dont certaines fixes comme celle du viol d’Alex (Monica Bellucci), qui aura particulièrement marqué les esprits, pour sa violence et sa longueur.

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Mais commençons par le début. De quoi parle Irréversible ?

Le scénario en lui-même est très simple.

Alex quitte une soirée où elle est venue avec son homme et son ex, et traverse un passage, dans lequel elle tombe sur un type qui la sodomise et la tabasse.

Cette agression est l’élément déclencheur de la vengeance de Marcus.

***

L’originalité du film ne réside pas dans l’histoire, mais dans la façon dont elle est traitée. L’enchainement des scènes dans l’ordre inverse de la chronologie a un côté surprenant, qui ne gêne en rien la compréhension. Le spectateur sait ce qui va se passer, mais assiste à tout cela impuissant. Cela fait nécessairement ressentir des émotions, des émotions très fortes et pas bien plaisantes (à moins que l’on prenne plaisir à voir de la violence, mais là c’est une autre histoire).

Par moments, je me suis dit ouf, on regarde déjà le plus dur, le plus violent, puis on découvre les détails, une fois que le plus compliqué est fait. Je préfère cela ! C’est vous dire si certaines séquences sont lourdes à regarder.

La façon dont sont filmées les séquences est également bien spéciale, avec une caméra qui penche dans tous les sens et se fixe très rarement, du moins pour les scènes se situant après le viol (donc comme le film est à l’envers, au début du film). Cela donne un peu le mal de mer, mais sur petit écran c’est supportable, et puis cela retranscrit bien le ressenti de Marcus, qui perd totalement les pédales.

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Le film débute par vingt minutes filmées en mode bateau qui tangue et de nuit, pendant lesquelles on a pour seul dialogue un Vincent Cassel qui répète en boucle « Il est où le ténia ? Il est où le Ténia ? Il est où le Ténia ? ». C’est long, mais assez efficace pour bien entrer dans l’histoire. Cela fait monter la tension chez le spectateur, qui sait que vu l’état du protagoniste, une fois qu’il aura trouvé le fameux Ténia, il ne va pas se contenter de lui mettre une claque sur la joue… Ajoutez à cela un bruit répétitif comme une alarme ou que sais-je qui tourne en boucle. Le stress est bien là.

Il y a très peu de lumière, et l’on imagine parfois certains détails à défaut de les voir. Cela contribue à nous mettre dans le même état que Marcus, à nous perdre dans la nuit et la panique.

S’ensuit LA première grosse scène violente, celle de la vengeance de Marcus, (que je ne spoilerai pas,) et que j’ai regardée en cachant à moitié mes yeux derrière mes mains. Violente, sauvage, et d’autant plus insoutenable je pense, que nous la visionnons je le rappelle, avant d’avoir vu la scène du viol, qui est à l’origine de cette violence. Nous avons beau savoir, pour avoir lu le synopsis, qu’il s’agit d’une vengeance, nous n’avons pas toute la haine que ressent le personnage de Marcus à ce moment là.

La scène de viol est très difficile également, car elle dure dix minutes, dix minutes pendant lesquelles Monica Bellucci hurle, tandis que son agresseur la sodomise dans un sous-terrain dégueulasse, en la bâillonnant d’une main. La caméra est comme posée au sol, devant Monica Bellucci, qui tend désespérément la main vers l’objectif, vers nous qui ne pouvons rien faire qu’assister impuissants à son calvaire.

J’appréhendais cette fameuse scène, car dix minutes c’est long tout de même. Mais ça va, je n’ai pas tourné de l’œil. Je pense que je suis toujours assez détachée lorsque je regarde un film, donc cela peut aider. Je pleure rarement au cinéma par exemple, car j’ai toujours bien conscience de voir une fiction, et pas la réalité. Pour le coup, tant mieux, car cela a rendu le visionnage plus facile que pour certaines personnes, je pense.

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Je dois dire que tout de suite après le visionnage, je ne savais pas quoi penser d’Irréversible. Je gardais en tête une histoire malheureusement aussi horrible que banale. Je gardais en mémoire le contraste entre l’infinie beauté de Monica Bellucci, et l’effroyable violence dont elle avait été victime.

J’ai été secoué par le réalisme de certaines scènes. Il y a notamment un passage d’intimité entre Alex et Marcus, avant le drame. Ils sont au lit dans le plus simple appareil, et le spectateur se retrouve quasiment avec eux, entortillé dans les draps. C’est une façon de faire du cinéma à laquelle je n’étais pas habituée, et que j’ai trouvée vraiment forte.

Il m’a fallu dormir sur ce film, y repenser au réveil, pour comprendre que le Réalisateur avait probablement pour objectif principal de nous faire ressentir des émotions. C’était réussi.

Une morale ? Je ne sais pas trop. Le film a beau s’ouvrir sur une phrase énigmatique « le temps détruit tout », je n’ai pas vraiment retenu de morale. Je ne pense pas que c’était l’idée.

Irréversible est clairement un film à part, un film puissant que l’on adorera ou détestera (ou que l’on adorera détester). Il faut à mon sens accepter de ressentir des émotions déplaisantes, pour trouver un intérêt à ce film. A part la beauté de Monica Bellucci, ce film n’est fait que d’images et de sons qui créent le malaise. Et c’est sa force.

En conclusion, film le plus violent de tous les temps ?

Hum… je ne pense pas. Honnêtement je ne suis pas une grosse fan de films violents mais je pourrais en citer quelques-uns qui m’ont plus marqués pour leur violence, comme Drive avec la scène du mec qui se fait littéralement exploser la tronche dans l’ascenseur.

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Premier Contact – de la SF mais pas que !

Premier Contact (titre original : The Arrival) est un film sorti en 2016, qui a pour thème l’arrivée des extra-terrestres sur terre ; pas du tout mon sujet de prédilection a priori, et pourtant j’ai adoré ce film. Voici pourquoi.

Un jour sur Terre, de mystérieux vaisseaux apparaissent à différents endroits, habités par des créatures géantes. Sur un site américain, des experts se réunissent, et notamment la Linguiste Louise Bank, avec pour objectif de communiquer avec ces nouveaux arrivants.
Louise va petit à petit décrypter le langage des aliens, et entrer en communication avec deux d’entre eux. Mais elle sera pressée dans sa tâche, par les fortes tensions qui naissent entre les nations humaines, autour de la présence alien sur Terre.

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Ce film de Denis Villeneuve, adapté d’un roman intitulé L’Histoire de ta Vie, est très différent des autres films qui traitent des rencontres humains – extraterrestres, pour plusieurs raisons. Premièrement, il aborde comme sujet central, le rapport à l’autre, et la peur de la différence qui peut très vite entraîner la violence.  Il y a parfois une dimension quasi-mystique, renforcée par le parallèle fait ente l’histoire principale, et celle plus personnelle de Louise.

J’ai trouvé fascinante la façon dont Louise s’y prenait pour parvenir à faire connaissance avec les heptapodes (les créatures aliens à 7 pattes).

Ensuite, la force du film ne repose pas sur les effets spéciaux, très corrects au demeurant, mais utilisés avec parcimonie. Le gros intérêt de Premier Contact ne réside pas dans la représentation des aliens, mais plutôt dans le message de fond. Amateurs d’action, de bagarre et d’armes, vous pourriez être déçus !

Le réalisateur pioche aussi bien dans la SF que dans le thriller, saupoudré d’un peu de drame, pour un résultat franchement savoureux, qui donne à réfléchir !

Coup de cœur pour moi !

Bohemian Rapsody

Bohemian Rapsody est le biopic tant attendu de Queen (et pas uniquement de Freddie Mercury !). Le film retrace l’ascension extraordinaire du groupe anglais, depuis sa formation en 1970, jusqu’au concert Live Aid donné en 1985.

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Il n’a pas la prétention d’aborder tous les détails de l’existence du groupe, et s’arrête donc avant le décès de son charismatique chanteur Freddie Mercury, survenu en 1991.

Certains spectateurs critiquent la non-exhaustivité du film, arguant que la fin aurait dû logiquement se situer en 1991. Mais personnellement je pense qu’il aurait été compliqué de tout aborder et de donner son importance à tout ce qui aurait dû avoir de l’importance, tant il y avait de points à évoquer sur le groupe Queen ! Le choix de se limiter à une période de temps, longue tout de même de quinze ans, me semble totalement justifié !

Les années SIDA de Mercury ne sont pas traitées, ce qui n’est pas forcément surprenant car le chanteur n’a jamais souhaité devenir un porte-parole des malades du VIH, choix qui lui a été vivement reproché !

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Bohemian Rapsody a mis longtemps à voir le jour, car il a fallu changer d’acteur principal à plusieurs reprises. Initialement, Sacha Baron Cohen (Borat) était fortement pressenti pour incarner le leader moustachu. Mais il a renoncé, en raison de désaccord avec les membres survivants du groupe, sur le scénario. En effet, Brian Myan, John Deacon et Roger Taylor refusaient de faire un film sur Freddie Mercury uniquement, et voulaient que le biopic évoque le groupe Queen dans son ensemble.

Le réalisateur lui-même Bryan Singer, a été viré de son propre film et remplacé par Dexter Fletcher, qui tourna les dernières scènes du biopic !

Compliqué donc de tourner ce film de plus de deux heures, mais cela valait le coup de s’accrocher, car personnellement j’ai passé un excellent moment de ciné ! Passé le premier choc d’un jeune Freddie Mercury à la dentition proéminente, façon bouche de dromadaire, je me suis vraiment laissée prendre au jeu. Je ne voyais plus Rami Malek. C’était Freddie Mercury qui explosait l’écran !

La ressemblance n’est pas toujours frappante, surtout dans les jeunes années du chanteur, mais la gestuelle et la passion que l’acteur met dans son interprétation suffisent amplement à créer la magie ! Quelle performance lorsque Rami Malek incarne Mercury sur la scène, notamment pendant le concert Live Aid ! Un mot me vient à l’esprit : MAGIQUE !

Ajoutez à cela la bande son, faite des vrais morceaux de Queen, et la recette est complète !

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J’ai eu envie à plusieurs reprises de me lever et d’applaudir, avant de me rappeler que j’étais au cinéma ! Dans les heures qui ont suivi la projection, je n’ai écouté que des morceaux de Queen, en boucle et en prêtant attention aux paroles. J’ai écumé Wikipédia et autres sites à la recherche d’infos sur la vie de Mercury et sur Queen. J’avais envie d’en savoir plus, et de voir ce qui était vrai et ce qui avait été adapté pour le film.

J’ai lu notamment que le scénario avait pris quelques libertés… Il y a notamment un moment où Freddie quitte le groupe pour enregistrer deux albums solos. Ce serait doublement inexact puisque le groupe ne se serait jamais séparé, et que Roger Taylor aurait enregistré son album solo avant lui !

On peut imaginer que, puisque le film a été coproduit par les membres survivants, certains aspects ont pu être édulcorés, voire occultés. Par exemple, on voit assez peu de drogues, et les passages alcoolisés ne sont pas trop trop trash.

La fête donnée par Mercury pour son anniversaire, aurait été une véritable orgie. Dans le film, on voit qu’il s’agit d’une gigantesque chouille, où l’alcool coule à flot. Mais on est loin de la débauche totale dont beaucoup ont parlé…

De nombreuse scritiques regrettent le côté « grand public » de Bohemian Rapsody, et s’attendaient à quelque chose de plus… rock n roll. Cela peut se comprendre. Il s’agit tout de même d’un film sur un groupe de rock, et quel groupe de rock ?!

Je n’aurais pas jugé nécessaire de montrer plus en détails les passages trash. Ils sont suggérés, et on peut tout à fait les imaginer. De même, tout n’a pas été très rose lors de la succession de Mercury, et le testament laissé par le chanteur n’a pas plu aux membres survivants. Inutile donc d’aborder cette période dans le biopic, qui reste centré sur les heures de gloire du groupe, et c’est très bien ainsi !

Première Année – cinéma

Le week-end passé, j’ai profité de mes invitations remportées sur le blog de Lily lit, pour m’offrir un bon moment ciné ! Je suis allée voir Première Année, comédie dramatique française qui retrace la première année des étudiants de médecine.

Avant toute chose, il faut que je vous précise que je n’ai jamais mis les pieds en fac de médecine. Après une année passée en fac d’Histoire, j’ai bifurqué sur un BTS. A peine ai-je traversé la cours de la fac de Médecine, pour rejoindre des amis qui y étudiaient. Mon expérience s’arrête là. Donc je ne serai pas en mesure de vous dire si oui ou non ce film retrace fidèlement la première année de Médecine !

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Thomas Litli le Réalisateur, est Médecin. Et il a déjà réalisé deux autres films sur la même thématique de la Médecine. Ici, il choisit d’évoquer la fameuse première année d’études, par l’intermédiaire de deux personnages, qui se battent parmi tant d’autres, pour passer en seconde année malgré les numerus closus.

Antoine triple sa première année. Il est obnubilé par le fait de devenir médecin. C’est bien simple : il ne vit que par et pour cela.
Benjamin au contraire, sort du lycée et s’est inscrit en Médecine un peu par hasard, poussé par la Conseillère d’orientation, et par un père chirurgien.

Au départ, le contraste entre les deux jeunes hommes est on ne peut plus marqué. Mais rapidement, Benjamin va se prendre « au jeu » des études, et se mettre à travailler.

Nous suivons le quotidien de ce drôle de binôme, entre révisions dans le RER, nuits entourés de polycopiés à apprendre par cœur, et schémas d’anatomie tracés dans la purée du resto U !

Ecrit ainsi, cela ne donne pas forcément envie de se ruer vers la salle de cinéma la plus proche… Et pourtant ce film m’a régalée. J’ai trouvé que le duo d’acteurs (Vincent Lacoste et William Lebghil) fonctionnait parfaitement bien, et que le scénario se déroulait sans longueurs ni incohérences.

Le film est rythmé par de bonnes répliques, et amène à s’interroger sur des thèmes assez globaux, comme celui de l’ascenseur social (le fils de Chirurgien a bien plus de facilité par rapport à l’étudiant qui n’a pas de père médecin), et même si le quotidien des deux étudiants est peu enviable (surtout celui d’Antoine) on ne bascule pas dans un scénario déprimant au possible pour autant.

Si le thème vous titille, je vous invite vivement à vous laisser tenter par Première Année !

Crazy Statham

Moi, j’adoooore Jason Statham. Alors cela fera peut-être un peu groupie, mais tant pis j’assume. C’est parce-qu’il incarnait le personnage principal dans Crazy Joe, que j’ai choisi de visionner ce film d’action.

Joe est un ex-soldat, qui a été profondément marqué par ce qu’il a vécu en Afghanistan. Pour échapper à un procès en cour martiale, il fuit vers Londres, et finit à la rue totalement alcoolisé.
Une nuit pas comme une autre, notre homme parvient à pénétrer dans un appartement inoccupé. Saisissant l’opportunité, il va se requinquer, trouver un emploi dans un resto chinois d’abord comme plongeur… avant d’évoluer vers un poste de videur, puis d’homme de main.
Mais l’on n’échappe pas si facilement à son destin, et les vieux démons de Joe sont coriaces. Ajoutez là-dessus qu’il a une vengeance à accomplir. Et le voilà qui plonge dans ce que la capitale anglaise a de plus sombre…
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Le moins que l’on puisse dire, est que ce film n’a pas fasciné le public. Si l’on regarde les critiques, et les notes sur certains sites spécialisés comme Allociné, on constate que de nombreux spectateurs n’ont pas accroché. Le côté traumatisme de guerre ne les a pas convaincu, et le fait que le film soit trop sombre, les a souvent découragés.

Pour ma part, j’ai apprécié ce film d’action doublé d’un thriller. J’ai particulièrement aimé la relation particulière qui se forme entre Joe et la bonne-sœur qui s’occupe de la soupe populaire.

On pourra pointer du doigt quelques facilités scénaristiques, c’est certain. Mais si l’on est prêts à passer outre, ce film permet de s’offrir un bon moment devant sa télé !

Peut-être que ce qui dérange le plus au final, c’est que l’on s’attache à un personnage, qui a une morale bien particulière… Les anti-héros, qui vont contre la loi et utilisent la violence pour faire triompher le bien, passent encore. Mais ce n’est pas le cas de Joe, qui suit une ligne de conduite tout en zig zag, dessinée selon une morale toute personnelle !

Statham sort un peu de son rôle de gangster bien fringué, pour aller vers un personnage un peu plus sombre (mais parfois bien fringué quand-même, on ne se refait pas). Le côté psychologique aurait pu être plus creusé, mais il l’est déjà suffisamment à mon sens pour un film d’action… Je ne m’attendais pas à visionner un Almodovar !

Pas de happy end pour notre Joe pas si fou que le titre voudrait bien nous le laisser croire, mais malgré tout… on peut trouver du positif dans ce film d’action, si l’on veut bien s’en donner la peine.

J’ai aimé.

Je recommande.

Ah, et il y a un peu de baston, mais pas des masses.

Sully, sur l’Hudson

Sully est un biopic, réalisé par Clint Eastwood en 2016. Ce film d’une heure et demi relate l’incroyable amerrissage réalisé sur l’Hudson par le pilote Chesley Sullenberger (dit Sully).

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Peu après le décollage de l’aéroport de la Guardia, l’avion a perdu ses deux réacteurs, conséquence d’une collision avec des oiseaux. Jugeant qu’il n’avait pas la possibilité de rejoindre l’un des aéroports les plus proches, Sully a opté pour l’amerrissage sur le fleuve, avec succès puisque tous les passagers et membres de l’équipage sont sortis sains et saufs.

Le film m’a beaucoup plu, car il retrace le court trajet du vol de l’A320, jusqu’à l’amerrissage, et l’arrivée des différents secours. Et il montre également l’après, quand les compagnies d’assurance ont essayé de prouver que Sully aurait pu retourner à l’aéroport, pour ne pas endommager l’avion…

Le contraste entre l’opinion publique, qui considère Sully comme un véritable héro, et les doutes de la bureaucratie, est fort intéressant et bien traité ! On voit à quel point les considérations financières font plonger dans une situation ubuesque, à base de vols sur simulateurs, de calculs statistiques informatiques, de suppositions qui oublient tout aspect humain.

On alterne les passages qui retracent le vol en lui-même, les scènes du tribunal, et les souvenirs et cauchemars de Sully. J’ai apprécié cette construction rythmée, qui jamais ne m’a perdue en chemin.

Sully est réellement un bon film, que je vous recommande !

 

 

Neuilly sa mère sa mère

Neuilly sa mère est une comédie sortie en 2009. A l’époque je n’en avais pas entendu plus parler que cela, et ne l’avais donc pas visionnée. C’est tout dernièrement, en 2018, que je l’ai regardée. Et franchement, je me suis fendu la poire du début à la fin ! Cela tombait bien, car la suite vient tout juste de sortir… presque dix ans après !

L’histoire est celle de Sami Benboudahoud, 14 ans, qui vit heureux au milieu de ses potes dans une cité de Chalon. Un jour, son petit quotidien tranquille est bouleversé, car sa mère doit s’absenter et le confier à sa tante, qui habite… Neuilly.
Sami se retrouve au milieu des riches, dans une école différente, et partage sa chambre avec son cousin Charles, qui a pour idole Nicolas Sarkozy !

Ce premier opus était vraiment tordant. Il réussissait à s’inscrire dans le genre de la comédie, tout en sonnant juste sur de nombreux points. Il y avait une bonne part de vrai, une belle observation de notre société, qui rendait ce film vraiment savoureux.

Le fait de le regarder en 2018 ajoutait de l’intérêt, car il y avait une petite dose de nostalgie en bonus !

 

*

Avec Neuilly sa mère sa mère, Gabriel Julien-Laferrière le Réalisateur, ne m’a pas déçue ! Il a réussi à reprendre un casting quasi-identique (seule l’actrice qui joue la tante de Sami change). Et il a fait faire à ses acteurs le voyage inverse.

 

Sami vit toujours à Nanterre, comme à la fin du premier film, et c’est lui qui accueille son cousin Charles, et ses parents, ruinés à cause d’une sombre affaire de maltraitance animale mise à jour dans la boîte de son oncle, et de la révélation de l’existence de comptes bancaires dans des paradis fiscaux.

Voilà les riches de Neuilly, qui dorment à même le sol dans une HLM, et boivent du café instantané au petit-dèj ! 

En plus de cela, Charles est en pleine dépression, suite à le défaite de Nicolas Sarkozy, et aux élections successives de François Hollande et d’Emmanuel Macron. 

Dans cette suite, Charles devient le personnage central. Il se lance en politique, et brigue le fauteuil de maire de Nanterre. Pour atteindre son objectif, l’ancien gamin de Neuilly est prêt à tout, et même plus encore !…

Ah ce que nous avons ri devant ce film !

Les politiques en prennent pour leur grade, et le réalisateur ne juge pas nécessaire d’incorporer un semblant de morale dans son film. Quelle excellente idée, c’est souvent justement ce qui gâche les comédies françaises !

Neuilly sa mère sa mère caricature notre société, mais jamais ne tombe dans le cliché. C’est rafraîchissant, parfait pour cette période de l’année !

J’ai particulièrement ri lorsque Charles se rend au QG du parti En Marche! Mais… je ne vous en dirai pas plus, car je ne voudrais pas vous gâcher la surprise si toutefois vous n’aviez pas encore vu cette délicieuse comédie !

Madame – film

Je n’avais pas du tout entendu parler du film dont je m’apprête à vous faire la chronique, avant de le voir sur un site de streaming. C’est parce-que j’aime bien les actrices Rosy de Palma et Toni Collette qui sont à l’affiche, que je me suis laissée tenter. Il faut dire que le synopsis était attirant et laissait présager que j’allais potentiellement passer un moment agréable devant cette comédie.

De quoi cela parle justement ?

Vous le devinez en regardant l’affiche, il sera question d’une domestique, et de patrons fortunés…

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En effet, Madame c’est elle Anne, une américaine installée à Paris avec son époux. Tout deux mènent une vie faite de faste, et emploient plusieurs domestiques, dont Maria.

Un soir, Madame découvre au dernier moment que son petit dîner mondain risque de virer à la catastrophe, car son beau-fil a invité une treizième personne. Impensable pour cette perfectionniste qui mise tout sur le paraître !

Elle décide alors de convier Maria à leur table, mais sans révéler aux autres convives qu’il s’agit de sa bonne !

C’est ainsi que la domestique à l’accent espagnol à couper au couteau, se retrouve dans le cercle intime des très très riches…

***

Franchement, on pouvait s’attendre au pire avec une histoire pareille. La bonne qui va pénétrer l’univers feutré de ses riches patrons, cela rappelle un peu d’autres histoires, comme celle de Cendrillon. Cela peut aussi nous faire penser à des films, comme Pretty Woman, pour les deux mondes diamétralement opposés qui se rencontrent.

Bref, rien de bien nouveau sous les tropiques, on se retrouve devant un film qui aborde le paraître, les différences sociales, les clichés et a priori. Mais le tout est géré de façon suffisamment habile, pour nous permettre de sourire de façon régulière !

La Réalisatrice française Amanda Sthers a le bon goût de ne pas forcer le trait de façon excessive. Et c’est cela qui fait que ce film est réussi, pour sa finesse ! OK les personnages sont très caricaturaux. D’un côté il y a la bourgeoise insupportable, obsédée par sa ligne, et qui fait du yoga. De l’autre, la domestique forcément espagnole, pas forcément cultivée, mais ô combien attachante !

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L’interprétation de chaque acteur est un délice, et il n’y a pas de scènes en trop, de scène où l’on sent que l’on a voulu nous faire nous bidonner sur commande.

Honnêtement, ce film se regarde sans se forcer. Ce fut une chouette surprise pour moi !

4 Mariages, 1 enterrement

Pendant le long week-end de Pentecôte (j’ai barré le « long » parce-que moi j’ai bossé le lundi) j’ai fait comme la plupart d’entre vous je pense, et zappé brièvement sur le mariage princier d’outre-Manche. Je n’ai pas vraiment eu le loisir de suivre la cérémonie, car je devais m’absenter ce samedi là. Mais autrement, je ne vous cache pas que je me serais calée devant la télé, avec mon mug de la Reine Elisabeth à la main (et oui j’ai un mug de la Reine, c’est bien réel).

Tout cela pour dire que je devais être en mode mariage, traîne de cinq mètres et dentelle blanche, plus ou moins consciemment. Et que cela a dû jouer le lendemain, au moment de choisir un film pour occuper mon aprem…

J’ai opté pour Quatre Mariages et un Enterrement, Comédie dramatique anglaise sortie en 1994… C’est un film fort connu, à côté duquel j’étais passée, probablement car je n’avais que sept ans lorsqu’il est sorti.

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Le film a vieilli, vous vous en doutez. Il a tout de même (rapide calcul…) ouh pinaise, vingt-quatre ans ! Mais il reste fort regardable. Le propos est toujours d’actu en tout cas.

Dans le rôle principal, Hugh Grant, aux côtés d’Andie Mac Dowell et Kristin Scott Thomas (entre autres).
Le bel anglais incarne Charles, un célibataire qui enchaîne les histoires mais fuit le mariage. Parfaitement épanoui au sein de son petit cercle d’amis fidèles, Charles ne compte pas se caser… jusqu’au jour où il rencontre Carrie, une ravissante américaine, invitée comme lui à un mariage.

Pas de bol, lorsqu’il la revoit à l’occasion d’une autre cérémonie, la belle lui annonce qu’elle est fiancée à un riche écossais.

***

Pourquoi j’ai passé un bon moment ?

J’ai apprécié ce film car il offre un bon mélange entre scènes comiques typiquement anglaises, et passages un peu plus romantiques. C’est un film qui évoque l’amitié, l’amour, l’engagement, et le passage dans l’âge adulte.

Le scénario n’apporte pas de grandes surprises. On sait assez vite comment cela va se terminer, au moins dans les grandes lignes. Mais ce n’est pas pour le suspens que l’on regarde !

En visionnant Quatre Mariages et un Enterrement, on revit forcément des bribes de mariages auxquels on a pu assister, ce qui n’est pas désagréable. Et on s’interroge accessoirement sur l’Amour, le grand Amour avec un grand A, et une rime en « our » comme « toujours ». Ouh purée, sacrée conclusion non ?

Everybody Knows – cinéma

J’étais seule tout le week-end, et bien décidée à profiter au maximum de mon temps libre, pour faire un maximum de choses qui me tentaient. Parmi ces choses, il y avait aller au ciné !

Oui parce-que j’aime bien parfois regarder un film seule, surtout au cinéma  j’arrive bien mieux à m’immerger totalement dans l’histoire !

Initialement je voulais voir Et Mon Coeur Transparent, mais il ne passait qu’à 22 h 05… et je savais que je n’aurais pas la motivation pour sortir « aussi » tard. #JeSuisVieille

Du coup, je me suis rabattue sur un autre thriller : Everybody Knows, d’Asghar Farhadi.

***

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A l’affiche, on retrouve la magnifique Penéloppe Cruz, qui donne la réplique à Javier Bardem, son époux à la ville. Elle incarne Laura, qui revient dans le village espagnol qu’elle a quitté pour s’installer en Argentine, à l’occasion du mariage de sa sœur.

Le réalisateur iranien plante le décor de son film en Castille, et nous abreuve de musiques espagnoles, d’embrassades et de rires pendant toute la première partie du film. Personnellement, j’ai beaucoup aimé, tout  comme j’ai apprécié les intérieurs bariolés de la maison de famille, qui m’ont dépaysée.

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La fête est belle. Tout le monde est beau et heureux, mais bien vite un événement dramatique vient tout perturber.

Passée la première demi-heure de pellicule, le ton change complètement, et l’on entre dans le vif du sujet. Mais avant cela, ne croyez pas que l’on s’ennuie ! Farhadi avait bien pris soin de semer dès le début, quelques petites aspérités entre les personnages… Ces vieilles rancœurs, ces histoires entre villageois, seront autant de pistes à suivre, pour dénouer l’histoire. Et croyez-moi, il y aura de quoi faire !

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Même si le film dure plus de deux heures, j’ai trouvé que le scénario ne s’essoufflait pas.

Le charisme des acteurs (tous, pas uniquement les principaux), les vieilles histoires que l’on découvre petit à petit, tout contribue à garder le spectateur en haleine.

L’histoire en elle-même est universelle. C’est un ensemble de non-dits, de secrets trop longtemps gardés, d’incompréhensions entre les uns et les autres, qui a traîné suffisamment longtemps pour déboucher sur un drame. Mais le fait de développer la-dit histoire précisément ici en Espagne, amène une touche bien particulière, qui m’a beaucoup plu.

Vous l’aurez compris, j’ai beaucoup apprécié ce film, et vous le recommande très chaudement !